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diumenge, 26 de maig de 2013

NICOLÁS Y ALEJANDRA de Franklyn J. Schaeffner EN NICOLAU I L'ALEXANDRA de Franklyn J. Schaeffner







Hubo una época, durante los años 1960, que España fue el país elegido para el rodaje de muchas superproducciones de Hollywood, casi siempre utilizando los paisajes para ambientar la trama en la Rusia de antes y después de la Revolución (“Doctor Zhivago”), la Palestina de los tiempos de Jesucristo (“Rey de Reyes”) o incluso en China (“55 días en Pekín”). La propia España sólo apareció en la apreciable “El Cid”. Una de esas últimas superproducciones fue “Nicolás y Alejandra” de 1971, con los interiores rodados en los desaparecidos Estudios Sevilla Films de Madrid, actualmente uno de los hipermercados Alcampo, y con los exteriores repartidos en varias zonas del país. Con actores poco conocidos, todos británicos, se explican los últimos diez años de vida del último Zar, Nicolás, y de su esposa Alejandra, además de todos sus hijos. El director es Franklyn J. Schaffner, conocido por “El planeta de los simios” y “Patton”. Aquí trata de acercarse a la época que retrata con predominio del intimismo, más que en las escenas épicas o con cientos de extras. Y lo consigue, incluso prescindiendo de la banda sonora en muchas escenas, no queriendo incurrir en los tópicos de Hollywood. El director artístico fue Gil Parrondo, aun en activo y lúcido a sus 92 años, que ofreció un breve coloquio en un museo madrileño antes de la proyección de esta película. Su trabajo impecable se muestra en las escenas de fastuoso lujo del palacio imperial ruso, las sórdidas fábricas de los obreros explotados, las casas de la estepa rusa, etc. El resultado es una excelente reconstrucción de la época, y el desconocido reparto, ya comentado, le beneficia y no le quita la menor atención del espectador, que a veces, la abundancia de grandes estrellas es contraproducente para el tipo de historia. Y sobre todo en Hollywood se han cometido errores garrafales en ello, como las inefables caracterizaciones de John Wayne como Gengis Khan (!) o Katharine Hepburn como china, por citar dos casos extremos.

NICOLÁS Y ALEJANDRA: * * * *

"EN NICOLAU I L’ALEIXANDRA" de Franklin J. Schaffner

Hi va haver una època, durant els anys 1960, que Espanya va ser el país escollit per al rodatge de moltes superproduccions de Hollywood, gairebé sempre utilitzant els paisatges per ambientar la trama dins la Rússia d'abans i després de la Revolució ("Doctor Zhivago"), la Palestina dels temps de Jesucrist ("Rei de Reis") o fins i tot a la Xina ("55 dies a Pequín"). La mateixa Espanya només va aparèixer en l'apreciable "El Cid". Una d'aquestes darreres superproduccions va ser "En Nicolau i l’Aleixandra" de 1971, amb els interiors rodats als desapareguts Estudis Sevilla Films de Madrid, actualment un dels hipermercats Alcampo, i amb els exteriors repartits en diverses zones del país. Amb actors poc coneguts, tots britànics, s'expliquen els darrers deu anys de vida de l'últim tsar, Nicolau, i de la seva dona Aleixandra, a més de tots els seus fills. El director és Franklyn J. Schaffner, conegut per "El planeta dels simis" i "Patton". Aquí mira d'acostar-se a l'època que retrata amb predomini del intimisme, més que no pas en les escenes èpiques o amb centenars d'extres. I ho aconsegueix, fins i tot prescindint de la banda sonora en moltes escenes, no volent incórrer en els tòpics de Hollywood. El director artístic va ser Gil Parrondo, encara en actiu i lúcid als seus 92 anys, que va oferir un breu col.loqui a un museu madrileny, abans de la projecció d'aquesta pel · lícula. La seva feina impecable es veu en les escenes de fastuós luxe del palau imperial rus, les sòrdides fàbriques dels obrers explotats, les cases de l'estepa russa, etc. El resultat és una excel.lent reconstrucció de l'època, i el desconegut repartiment, ja comentat, el beneficia i no li treu gens ni mica l’atenció de l'espectador, al qual sovint, l'abundància de grans estrelles és contraproduent per al tipus d'història. I sobretot a Hollywood s'han comès errors ben grossos en això, com les inefables caracteritzacions de John Wayne com en Gengis Khan (!) o la Katharine Hepburn com a xinesa, per dir dos casos extrems.

EN NICOLAU I L’ALEIXANDRA: * * * *













EN LA CAMA de Matías Bize




Algunas veces, en el cine, se nos ha mostrado cómo puede empezar una posible relación amorosa que empieza con una pareja que se conoce una noche de juerga y acaban en la cama haciendo el amor. Digo posible por que puede salir de ahí algo que durará mucho tiempo o bien sólo sexo y adios. Recordamos algunas como la francesa “Noche de verano en la ciudad” y la posterior a la que comento aquí, “Habitación en Roma” de Julio Medem, ésta abordando el mismo tema pero en clave lésbica, con un cierto tono poético. La chilena “En la cama”, ganadora del Festival de Valladolid, empieza en sus títulos de crédito con la pareja haciendo el amor apasionadamente, aunque sólo se les oye sus jadeos, cubiertos por una sábana, que funcionan como una banda sonora, igual que en “Los pájaros” de Alfred Hitchcock lo eran los chillidos de los pájaros que atacaban a los humanos, prescindiendo de la música. Cuando acaban los títulos de crédito, casi inmediatamente la pareja acaba su sesión sexual y empiezan a hablar cada uno de su vida pasada y actual, de sus anhelos, de sus fobias... Como en cualquier obra teatral, no queda ningún tema por tocar. Los dos únicos actores, Blanca Lewin y Gonzalo Valenzuela, bien dirigidos por Matías Bize, derrochan naturalidad y encanto, diciendo sus abundantes frases con absoluta sinceridad. A quienes les gusten los diálogos a lo Truffaut o Allen, disfrutarán con ellos. Ésta película dio a conocer aquí el cine chileno, casi ignorado al contrario que sus vecinos de Argentina, y desde entonces han llegado varias películas del país de Pablo Neruda. Quienes crean que sólo es una exhibición de cuerpos desnudos y escenas de cine erótico durante su apenas hora y media de duración, se equivocan. Es una muestra del alma humana, el cómo comunicarse, algo que a Michelangelo Antonioni le hubiera gustado. Es decir, quienes crean que esto es una película de las de Rocco Siffredi, se equivocan, y lo mismo quienes crean que es algo indecente. Películas como ésta ayudan a quitar la banalización que muchas veces tiene el erotismo o el sexo, algo que forma parte natural de la manera de conocerse la gente, sobre todo la que va “de marcha” un Sábado por la noche.

EN LA CAMA: * * * *

“EN LA CAMA” de Matías Bize

Algunes vegades, al cinema, se'ns ha mostrat com pot començar una possible relació amorosa que comença amb una parella que es coneix una nit de gresca i acaben al llit fent l'amor. Dic possible perquè pot sortir d'aquí una cosa que durarà molt de temps o bé només sexe i adéu i passem-ho bé. Recordem algunes com la francesa "Nit d'estiu a la ciutat" i la posterior a la que comento aquí, "Habitació a Roma" de Julio Medem, aquesta abordant el mateix tema però en clau lèsbica, amb un cert to poètic. La xilena "En la cama", guanyadora del Festival de Valladolid, comença als seus títols de crèdit amb la parella fent l'amor apassionadament, encara que només se'ls sent seus panteixos, coberts per un llençol, que funcionen com una banda sonora, igual que a "Els ocells" d'Alfred Hitchcock ho eren els xiscles dels ocells que atacaven als humans, tot prescindint de la música. Quan acaben els títols de crèdit, gairebé immediatament la parella acaba la seva sessió sexual i comencen a parlar cadascú de la seva vida passada i actual, dels seus anhels, de les seves fòbies... Com en qualsevol obra teatral, no queda cap tema per tocar. Els dos únics actors, Blanca Lewin i Gonzalo Valenzuela, ben dirigits per Matías Bize, tenen naturalitat i encant a dojo, dient les seves abundants frases amb absoluta sinceritat. Als que els agraden els diàlegs a la Truffaut o Allen, gaudiran amb ells. Aquesta pel.lícula va donar a conèixer aquí el cinema xilè, gairebé ignorat al contrari que els seus veïns de l'Argentina, i des de llavors han arribat diverses pel.lícules del país de Pablo Neruda. Els que creguin que només és una exhibició de cossos nus i escenes de cinema eròtic durant la seva hora i mitja de durada, s'equivoquen. És una mostra de l'ànima humana, el com comunicar-se, una cosa que a Michelangelo Antonioni li hauria agradat. És a dir, els que creguin que això és una pel.lícula de les de Rocco Siffredi, s'equivoquen, i el mateix els qui creguin que és una cosa indecent. Pel.lícules com aquesta ajuden a treure la banalització que moltes vegades té l'erotisme o el sexe, cosa que forma part natural de la manera de conèixer la gent, sobretot la que va "de marxa" un Dissabte a la nit.

EN LA CAMA: * * * *










dimecres, 8 de maig de 2013

LA VERDAD SOBRE EL CASO SAVOLTA de Antonio Drove LA VERITAT DE L'AFER SAVOLTA d'Antonio Drove








Hay películas que hay que verlas en su contexto, en la época en que se rodaron. Esta es una de ellas. Basada libremente en la novela de Eduardo Mendoza, que recrea la Barcelona de la I Guerra Mundial, con estallidos sociales y contraataques de bandas de pistoleros dedicadas a reprimir a los obreros. Una fábrica situada en la capital catalana, que fabrica armas que van precisamente a los Ejércitos aliados de la Gran Guerra, empieza a tener las protestas de sus obreros por las pésimas condiciones laborales, sus horarios y sueldos prácticamente de esclavos. Los jefes de la misma ven con temor esa rebelión y las reivindicaciones. Asimismo, se vislumbra la corrupción en la misma empresa: varios dirigentes venden armas de la empresa al Ejército alemán, es decir, las venden a los dos bandos que combaten. Por otro lado, está el futuro yerno del dueño, que tiene que ver en esto, y que inesperados acontecimientos le convertirán poco a poco en el nuevo amo… Notable crónica de aquellos convulsos tiempos, en una co-producción entre España, Italia y Francia, con actores de estos tres países. Reconocemos al actor francés Charles Denner, habitual de las películas de François Truffaut, como el futuro yerno de Savolta; Omero Antonutti como el propio Savolta; Stefania Sandrelli como la mujer del periodista… Por parte española, José Luis López Vázquez como un intrépido periodista que quiere hacer un artículo que valga la pena y dejar de escribir infames consultorios sentimentales. Pero los dirigentes de la empresa intentarán desacreditarlo… Ahora, los jefes y los obreros no actúan como aquellos salvajes de hace un siglo, las condiciones laborales de ahora, comparadas con aquellas, son mucho mejores, aunque aún siguen las reivindicaciones de los obreros. Pero esta película queda como un interesante testimonio de otra manera de hacer cine, que hoy en día nos parecerá un tanto desfasada, teniendo en cuenta lo desengañada que está la gente de ciertos sindicalistas, aunque sin olvidarnos de que hay que conocer la época en que se rodó: uno de los abogados de Atocha asesinados por la ultraderecha en Enero de 1977, antes de su tragedia personal, sugirió al director de la película, Antonio Drove, cuando éste compró los derechos de la novela de Eduardo Mendoza, que tenía que rodarla como fuese. Cuando la masacre, Drove se asustó y pospuso algún tiempo el proyecto, hasta que lo retomó con fuerza. Incluso hay una escena que recuerda a lo del bufete de Atocha: varios trabajadores de la fábrica asesinados a sangre fría por pistoleros, mientras se reunían para seguir protestando y preparar una gran huelga.

LA VERDAD SOBRE EL CASO SAVOLTA: * * *

“LA VERITAT DE L’AFER SAVOLTA” d’Antonio Drove

Hi ha pel.lícules que s’han de veure dins el seu context, en l’època en que es van rodar. Aquesta és una. Basada lliurement en la novel.la d’Eduardo Mendoza, que recrea la Barcelona de la Primera Guerra Mundial, amb esclats socials i contraatacs de bandes de pistolers dedicades a reprimir als obrers. Una fàbrica situada a la capital catalana, que fabrica armes que van precisament als Exèrcits aliats de la Gran Guerra, comença a tenir les protestes dels seus obrers per les pèssimes condicions laborals, els seus horaris i sous pràcticament d’esclaus. Els amos de la mateixa hi veuen amb por aquesta rebel.lió i les reivindicacions. Així mateix, s’albira la corrupció a la mateixa empresa: diversos dirigents venen armes de l’empresa a l’Exèrcit alemany, és a dir, les venen als dos bàndols que combaten. D’altra banda, hi ha el futur gendre de l’amo, que té a veure amb això, i que inesperats esdeveniments el faran a poc a poc el nou amo… Notable crònica d’aquells convulsos temps, en una coproducció entre Espanya, Itàlia i França, amb actors d’aquests tres països. Reconeixem l’actor francès Charles Denner, habitual de les pel.lícules de François Truffaut, com el futur gendre de Savolta; Omero Antonutti com el mateix Savolta, Stefania Sandrelli com la dona del periodista… Per part espanyola, en José Luis López Vázquez com un intrèpid periodista que vol fer un article que valgui la pena i deixar d’escriure infames consultoris sentimentals. Però els dirigents de l’empresa intentaran desacreditar-lo… Ara, els amos i els obrers no actuen com aquells salvatges de fa un segle, les condicions laborals d’ara, comparades amb aquelles, són molt millors, tot i que encara segueixen les reivindicacions dels obrers. Però aquesta pel.lícula queda com un interessant testimoni d’una altra manera de fer cinema, que avui dia ens semblarà una mica desfasada, tenint en compte que la gent és molt desenganyada de certs sindicalistes, encara que sense oblidar-nos que cal conèixer l’època en què es va rodar: un dels advocats d’Atocha assassinats per la ultradreta al Gener del 1977, abans de la seva tragèdia personal, va suggerir el director de la pel.lícula, Antonio Drove, quan aquest va comprar els drets de la novel.la d’Eduardo Mendoza, que havia de rodar-la com fos. Quan la massacre, en Drove es va espantar i va posposar algun temps el projecte, fins que el va reprendre amb força. Fins i tot hi ha una escena que recorda al del bufet d’Atocha: diversos treballadors de la fàbrica assassinats a sang freda per pistolers, mentre s’hi reunien per seguir protestant i preparar una gran vaga.

LA VERITAT DE L’AFER SAVOLTA: * * *

HOLMES AND WATSON, MADRID DAYS de José Luis Garci









Sherlock Holmes ha sido de los personajes de ficción más adaptados de la Historia del cine, y la televisión también lo ha adaptado. De todas las maneras y estilos, incluidos los dibujos animados. Y las adaptaciones, también de todo tipo, fieles o libres. Esta última que José Luis Garci, tres años después de su fracaso con la ambiciosa y desmedida “Sangre de Mayo”, se aproxima a Holmes pensando qué le hubiera pasado a él y a su fiel amigo el doctor John Watson si hubieran venido a Madrid a resolver uno de sus famosos casos. Esta vez, el cineasta madrileño no ha contado con el generoso presupuesto de su anterior película, ni siquiera ha contado con el apoyo incondicional, más político que otra cosa, de entonces, y ha tenido que “buscarse la vida”, es decir, ha tenido que poner dinero de su bolsillo, pagar a los técnicos del rodaje la mitad de lo que se suele pagar en cualquier rodaje y otras personas han colaborado como “voluntarios”, es decir, sin cobrar. También se nota la falta de presupuesto en la ambientación en exteriores, con pocas vistas de Madrid, como algunas calles del Casco Antiguo de noche o el Parque del Retiro con el Palacio de Cristal. Pero en el caso de Garci, lo mejor lo consigue con los actores, esta vez mejor dirigidos de lo que era habitual en sus últimas películas. Confieso que desde “El abuelo”, ninguna película posterior de Garci me había entusiasmado de verdad, y aquí, contando con dos personajes literarios de carisma innegable, y sin necesidad de grandes medios, ha conseguido un resultado excelente. Primero, acertada la elección del actor escocés (e hijo de catalanes) Gary Piquer (“El género femenino”) como Sherlock Holmes, papel que sólo los actores anglosajones saben comprender de verdad, para hacer creíble su impasibilidad, frialdad e inteligencia. Le da la réplica José Luis García Pérez como el doctor Watson, con un tono más campechano. En el reparto, se añaden actores veteranos y de talento como Manuel Tejada, Enrique Villén y Carlos Hipólito. Aparte, algunos no profesionales, como Inocencio Arias, el ex diplomático, notable e irreconocible como un Ministro, y caso aparte es Alberto Ruíz Gallardón, ex alcalde de Madrid y actual Ministro de Justicia, como su tío abuelo Isaac Albéniz, cosa que dió que hablar durante el rodaje y que algunos sólo vieron la película para burlarse de Gallardón. Dicha aparición fue un deseo del propio Gallardón, deseoso de interpretar a su pariente, pero no se preocupen, sólo aparece en dos escenas y sólo habla en una; no aporta nada a la historia. No es el único personaje real que se mezcla en la ficción: el escritor Benito Pérez Galdós también aparece, encarnado por Carlos Hipólito. José Luis Garci prefiere presentar la intriga sin caer en las absurdas escenas de acción del Sherlock Holmes de Robert Downey Jr., de manera pausada, casi como en los relatos originales de Sir Arthur Conan Doyle, que tampoco necesitaba describir grandes escenas. Es más, muestra el Madrid de 1890, visto por ojos de extranjeros como Holmes y Watson, el primero con su sagacidad y el segundo con su manera más campechana de ver la vida, eso sí, con la novedad de que aquí se ha casado y su mujer se ha quedado en Londres. Vienen a Madrid a investigar los asesinatos múltiples de alguien que actúa como Jack el Destripador, y acabarán destapando un asunto sórdido de corrupción, tanto política como urbanística. Lo mejor son los diálogos y reflexiones de Holmes, en algunos puntos recordarían a cosas “de actualidad”, y lo peor es que no sepa hacer creíble que Holmes y Watson no hablen inglés entre ellos (el detective sólo habla inglés con un periodista español, escena en la que Watson sólo abre la boca para hablar en español), que incluso se nota en que Watson es incapaz de pronunciar bien el apellido de un inspector, Valcárcel (Enrique Villén). Por lo demás, una muestra, junto con la nueva película de Fernando Trueba “El artista y la modelo”, de que al cine español le hacen falta nuevos argumentos y nuevas miradas, en este caso, las aportadas por gente “de fuera”, algo que el cine catalán ha probado muchas veces (como la mujer irlandesa que hacía de cronista de la odisea de Francesc Macià en “El coronel Macià”).

HOLMES & WATSON, MADRID DAYS: * * * *

“HOLMES & WATSON, MADRID DAYS” de José Luis Garci

En Sherlock Holmes ha sigut dels personatges de ficció més adaptats de la Història del cinema, i la televisió també l’ha adaptat. De totes les maneres i estils, fins i tot els dibuixos animats. I les adaptacions, també de tot tipus, fidels o lliures. Aquesta última que en José Luis Garci, tres anys després del seu fracàs amb l’ambiciosa i desmesurada “Sangre de Mayo”, s’aproxima a Holmes pensant què li hauria passat a ell i al seu fidel amic el doctor John Watson si haguessin vingut cap a Madrid a resoldre un dels seus famosos casos. Aquesta vegada, el cineasta madrileny no ha comptat amb el generós pressupost de la seva anterior pel.lícula, ni tan sols ha comptat amb el suport incondicional, més polític que no pas altra cosa, d’aleshores, i ha hagut de “buscar-se la vida”, és a dir, ha hagut de posar diners de la seva butxaca, pagar als tècnics del rodatge la meitat d’allò que és costum pagar en qualsevol rodatge i d’altres persones han col.laborat com a “voluntaris”, és a dir, sense cobrar. També es nota la manca de pressupost en l’ambientació en exteriors, amb poques vistes de Madrid, com alguns carrers del Casc Antic de nit o el parc del Retiro amb el Palacio de Cristal. Però en el cas de Garci, el millor ho aconsegueix amb els actors, aquest cop millor dirigits del que era habitual en les seves últimes pel.lícules. Confesso que des de “El abuelo”, cap pel.lícula posterior de Garci m’havia entusiasmat de debò, i aquí, comptant amb dos personatges literaris de carisma innegable, i sense necessitat de grans mitjans, ha aconseguit un resultat excel.lent. Primer de tot, encertada l’elecció de l’actor escocès (i fill de catalans) Gary Piquer (“El gènere femení”) com en Sherlock Holmes, paper que només els actors anglosaxons saben comprendre de debò, per fer creïble la seva impassibilitat, fredor i intel.ligència. Li dóna la rèplica en José Luis García Pérez com el doctor Watson, amb un to més planer. Dins el repartiment, s’afegeixen d’actors veterans i de talent com Manuel Tejada, Enrique Villén i Carlos Hipólito. A part, alguns no professionals, com Inocencio Arias, l’ex diplomàtic, notable i irreconeixible com un Ministre, i cas a part és Alberto Ruíz Gallardón, exalcalde de Madrid i actual Ministre de Justícia, com el seu oncle avi Isaac Albéniz, cosa que va donar que parlar molt durant el rodatge i que alguns només van veure la pel.lícula per fer broma de Gallardón. Aquesta aparició va ser un desig del mateix Gallardón, desitjós d’interpretar al seu parent, però no s’amoïnin, només hi apareix en dues escenes i només parla en una, no aporta gens a la història. No és l’únic personatge real que es barreja en la ficció: l’escriptor Benito Pérez Galdós també apareix, encarnat per Carlos Hipólito. En José Luis Garci prefereix presentar la intriga sense caure en les absurdes escenes d’acció del Sherlock Holmes de Robert Downey Jr., de manera pausada, gairebé com als relats originals de Sir Arthur Conan Doyle, que tampoc li calia descriure grans escenes. És més, mostra el Madrid de 1890, vist per ulls d’estrangers com Holmes i Watson, el primer amb la seva sagacitat i el segon amb la seva manera més planera de veure la vida, això sí, amb la novetat que aquí s’ha casat i la seva dona s’ha quedat a Londres. Vénen cap a Madrid a investigar els assassinats múltiples d’algú que actua com en Jack l’Esbudellador, i acabaran destapant un assumpte sòrdid de corrupció, tant política com urbanística. El millor són els diàlegs i reflexions de Holmes, en alguns punts recordarien a coses “d’actualitat”, i el pitjor és que no sàpiga fer creïble que Holmes i Watson no parlin anglès entre ells (el detectiu només parla anglès amb un periodista espanyol, escena en que Watson només obre la boca per parlar en espanyol), que fins i tot es nota en que Watson és incapaç de pronunciar bé el cognom d’un inspector, Valcárcel (Enrique Villén). A part d’això, una mostra, juntament amb la nova pel.lícula de Fernando Trueba “El artista y la modelo”, que al cinema espanyol li calen de nous arguments i noves mirades, en aquest cas, les aportades per gent “de fora”, cosa que el cinema català ha provat molt sovint (com la dona irlandesa que feia de cronista de l’odissea de Francesc Macià a “El coronel Macià”).

HOLMES & WATSON, MADRID DAYS: * * * *

EL ÁNGEL EXTERMINADOR de Luis Buñuel







Una de las últimas películas mexicanas de Luis Buñuel, antes de acabar su carrera entre Francia y España, fue esta descripción aguda y minuciosa de la convivencia entre varios invitados de la alta sociedad del país azteca a una cena elegante, y por una razón inexplicable, no pueden salir de donde están y se ven obligados a convivir durante días, degenerando su aparente educación y civilización. Un aspecto surrealista, habitual en sus películas y aquí llevado al extremo, que ayuda a hacer más grotesca la visión de cierta clase social o cierta gente que se cree la más civilizada, culta y evolucionada del mundo y de todos los tiempos. La inexplicable actitud de los invitados, según Buñuel, era nuestra manera de ser, de la que no podemos escapar por más que lo intentemos, y aquella casa era toda una metáfora. Hay escenas que hay que entenderlas, como la del rebaño de ovejas que penetran en la casa, que nos podrían recordar al “rebaño de Dios” o el “cordero de Dios”, o mejor dicho, la “oveja perdida” o “descarriada”, de los que hablan los Evangelios. Woody Allen, gran admirador del cineasta aragonés, tiene esta película entre sus favoritas, y en “Medianoche en Paris” le hizo un gran homenaje, cuando el protagonista (Owen Wilson), que podía retroceder en el tiempo hasta el Paris de los años 1920, se encuentra con un Buñuel joven y le sugiere el argumento de “El ángel exterminador”. Al principio, Buñuel no comprende nada y lo encuentra absurdo, y el protagonista le dice: “Sólo le pido que lo piense. Quién sabe, tal vez un día, afeitándose, se le encienda una bombilla y…”. Del reparto, Silvia Pinal es la más conocida, a la que ya vimos en “Viridiana” del mismo Buñuel, una de sus obras maestras.

EL ÁNGEL EXTERMINADOR: * * * * *

“EL ÁNGEL EXTERMINADOR” de Luis Buñuel

Una de les darreres pel.lícules mexicanes de Luis Buñuel, abans d’acabar la seva carrera entre França i Espanya, va ser aquesta descripció aguda i minuciosa de la convivència entre diversos convidats de l’alta societat del país asteca a un sopar elegant, i per una raó inexplicable, no poden sortir d’on hi son i es veuen obligats a conviure-hi durant dies, degenerant la seva aparent educació i civilització. Un aspecte surrealista, habitual en les seves pel.lícules i aquí portat fins a l’extrem, que ajuda a fer més grotesca la visió d’una certa classe social o una certa gent que es creu la més civilitzada, culta i evolucionada del món i de tots els temps. La inexplicable actitud dels convidats, segons en Buñuel, era el nostre tarannà, del qual no podem escapar per més que ho intentem, i aquella casa era tota una metàfora. N’hi ha escenes que cal entendre-les, com la del ramat d’ovelles que penetren dins la casa, que ens podrien recordar el “ramat de Déu” o el “xai de Déu”, o millor dit, la “ovella perduda” o “esgarriada”, dels quals hi parlen els Evangelis. En Woody Allen, gran admirador del cineasta aragonès, té aquesta pel.lícula entre les seves favorites, i a “Mitjanit a París” li va fer un gran homenatge, quan el protagonista (Owen Wilson), que podia retrocedir en el temps fins al París dels anys 1920, es troba amb un Buñuel jove i li suggereix tot l’argument d’”El ángel exterminador”. Primer de tot, en Buñuel no comprèn gens ni mica i ho troba tot absurd, i el protagonista li diu: “Només li demano que s’ho repensi. Qui sap, potser un dia, afaitant-se, se li encengui una bombeta al cap…”. Del repartiment, la Silvia Pinal és la més coneguda, a la qual ja hi havíem vist a “Viridiana”, una de les obres mestres de Buñuel.

EL ÁNGEL EXTERMINADOR: * * * * *

A ROMA CON AMOR de Woody Allen A ROMA AMB AMOR de Woody Allen









La quinta ciudad europea vista por el estilo personal e intransferible de Woody Allen, Roma, después de Londres, Barcelona, Oviedo y Paris. No es de las más logradas películas de este período de su obra, estas son “Match Point” y “Medianoche en Paris”, pero mantiene su talento en crear situaciones absurdas de humor divertido y su agudeza en el análisis de las relaciones amorosas y humanas en general. Divide las cuatro historias que cuenta en dos idiomas, dos en italiano y dos en inglés. Las dos últimas son las vistas más por personajes compatriotas del director, él mismo incluido, y las dos primeras, con reparto íntegramente italiano, con la excepción de la española Penélope Cruz. Allen vuelve a salir en una película suya seis años después de “Scoop”, como un director de óperas americano jubilado que llega a Roma a conocer al novio de su hija. Después del choque cultural e incluso político (su futuro yerno es de izquierdas), el director se quedará fascinado con su futuro consuegro, que canta de maravilla ópera… en la ducha. La segunda tiene a Alec Baldwin como “consejero sentimental” de Jesse Eisenberg (“La red social”) en una relación a dos bandas con dos mujeres. Las dos historias italianas son una con un pobre oficinista (Roberto Benigni) que de repente se hace famoso y sale en televisión, y la otra con un joven matrimonio llegado a Roma, que por varios malentendidos, pasarán por situaciones extrañas. Esta última tiene a Penélope Cruz como una prostituta, absolutamente sensual e irresistible, mucho mejor aquí que en su a veces irritante personaje de “Vicky Cristina Barcelona”. La historia en la que ella trabaja es todo un homenaje a “El jeque blanco” de Federico Fellini, uno de los cineastas favoritos de Allen. Benigni, por su lado, está mucho más contenido que de costumbre en su papel. Todas las historias tienen momentos admirables y otros no tan logrados, pero Allen sigue demostrando su talento para hacerlas simpáticas. A destacar la escena del montaje de la ópera con el consuegro en la ducha enmedio del escenario, la entrevista televisiva a Roberto Benigni, la confesión lésbica plena de naturalidad del personaje de la actriz y la escena en la Capilla Sixtina, donde Allen vuelve a verlo como un lugar donde poder tener relaciones sexuales, como en aquel chiste memorable de “Todo lo demás” (“Lo hicimos también en el Vaticano. ¡A tí te hubiera encantado aquel techo!”, decía entonces el personaje de Christina Ricci). O los dos personajes romanos que abren y cierran la película. Lástima que Allen no tuviera esta capacidad de presentar personajes locales cuando rodó en Barcelona o en Paris, dos interesantes películas pero con demasiado protagonismo de los personajes americanos.

A ROMA CON AMOR: * * *

“A ROMA AMB AMOR” de Woody Allen

La cinquena ciutat europea vista per l’estil personal i intransferible de Woody Allen, Roma, després de Londres, Barcelona, Oviedo i Paris. No és de les més assolides pel.lícules d’aquest període de la seva obra, aquestes són “Match Point” i “Mitjanit a París”, però manté el seu talent en crear situacions absurdes d’humor divertit i la seva agudesa en l’anàlisi de les relacions amoroses i humanes en general. Divideix les quatre històries que explica en dues llengües, dues en italià i dues en anglès. Les dues darreres són les vistes més per personatges compatriotes del director, ell mateix inclòs, i les dues primeres, amb repartiment íntegrament italià, amb l’excepció de l’espanyola Penélope Cruz. Allen torna a sortir en una pel.lícula seva sis anys després de “Scoop”, com un director d’òperes americà jubilat que arriba a Roma a conèixer al xicot de la seva filla. Després del xoc cultural i fins i tot polític (el seu futur gendre és d’esquerres), el director es quedarà fascinat amb el seu futur consogre, que canta de meravella òpera… a la dutxa. La segona té l’Alec Baldwin com a “conseller sentimental” de Jesse Eisenberg (“La xarxa social”) en una relació a dues bandes amb dues dones. Les dues històries italianes són una amb un pobre oficinista (Roberto Benigni) que de sobte es fa famós i surt a la televisió, i l’altra amb un jove matrimoni arribat a Roma, que per diversos malentesos, passaran per situacions estranyes. Aquesta última té a la Penélope Cruz com una prostituta, absolutament sensual i irresistible, molt millor aquí que al seu de vegades irritant personatge de “Vicky Cristina Barcelona”. La història a la qual ella treballa és tot un homenatge a “El xeic blanc” de Federico Fellini, un dels cineastes favorits d’Allen. En Benigni, per la seva banda, està molt més contingut que de costum, en el seu paper. Totes les històries tenen moments admirables i d’altres no tan assolits, però Allen continua demostrant el seu talent per fer-les simpàtiques. A destacar l’escena del muntatge de l’òpera amb el consogre a la dutxa tot enmig de l’escenari, l’entrevista televisiva a Roberto Benigni, la confessió lèsbica plena de naturalitat del personatge de l’actriu i l’escena dins la Capella Sixtina, on Allen torna a veure-la com un indret on poder tenir-hi de relacions sexuals, com en aquell acudit memorable de “Qualsevol altra cosa” (“Ho vam fer també al Vaticà. ¡A tu t’hauria encantat, aquell sostre!”, deia llavors el personatge de la Christina Ricci). O els dos personatges romans que obren i tanquen la pel.lícula. Llàstima que Allen no tingués aquesta capacitat de presentar personatges locals quan va rodar a Barcelona o a París, dues interessants pel.lícules però amb massa protagonisme dels personatges americans.

A ROMA AMB AMOR: * * *

dissabte, 4 de maig de 2013

LA COCINERA DEL PRESIDENTE de Christian Vincent LA CUINERA DEL PRESIDENT de Christian Vincent







Como es habitual, el cine francés y el de Hollywood saben describir una vida cotidiana diferente. Mientras el francés va más a lo costumbrista y cotidiano, aunque lo que cuenta parece intrascendente o vacío en apariencia, en Hollywood buscan como sea el gran espectáculo, pleno de efectos especiales, aventuras de cariz extraordinario y demás epopeyas grandilocuentes. El cineasta (aquí desconocido) Christian Vincent narra una historia de ficción inspirada libremente en una real, la de una cocinera que trabajó algunos años para el Palais du Elysée cuando François Mitterrand era el Presidente de Francia. Cambia nombres de personajes y aspecto y cuenta cómo una cocinera del Périgord (región de la Francia profunda con una excelente cocina propia), Hortense Laborie (Catherine Frot, “Las hermanas enfadadas”), entra en aquella cocina con su propia manera de ser, desafiando al prepotente chef y a sus machistas colaboradores. Sólo el educado y sensible pastelero le ayudará en su trabajo. Catherine Frot, gran actriz francesa que tanto afronta un drama como una comedia, con su aire a lo Carmen Machi que la hace muy cercana, da a su personaje una gran dignidad y entereza, tanto al enfrentarse al poder establecido en aquella cocina como cuando recuerda todo trabajando en una gran cantina de las Islas Croizet, archipiélago francés cercano a la Antártida, de clima polar. Con un estilo sobrio, el director nos muestra la variedad de platos que Hortense cocina para el Presidente de la República, aquí encanado por un actor no profesional (Jean D’Ormesson), que con su aspecto de anciano entrañable y sencilllo rompe con el aire solemne que tienen los Jefes de Estado. Un pero sería que en algunos momentos hay escenas que no son más que una sucesión de platos, como un vídeo educativo para estudiantes de Cocina, y las escenas en la actualidad, con la protagonista en las frías Islas Croizet eludiendo las preguntas de reporteros de la TV australiana, tienen una pequeña trampa: parece que la protagonista oculta un secreto comprometedor, cuando no es así. Pero muestra con verismo y sin grandilocuencias la vida de la gente humilde que trabaja para los políticos que rigen un país. Nada que ver con “El ala Oeste de la Casa Blanca”, aunque sea una excelente serie televisiva y su Presidente ficticio Bartlett sea un político con verdadera humanidad.

LA COCINERA DEL PRESIDENTE: * * *

"LA CUINERA DEL PRESIDENT" de Christian Vincent

Com és habitual, el cinema francès i el de Hollywood saben descriure una vida quotidiana diferent. Mentre el francès va més cap allò més costumista i quotidià, tot i que el que explica sembla intranscendent o buit en aparença, a Hollywood busquen com sigui el gran espectacle, ple d'efectes especials, aventures de caire extraordinari i d’altres epopeies grandiloqüents. El cineasta (aquí desconegut) Christian Vincent narra una història de ficció inspirada lliurement en una de real, la d'una cuinera que va treballar alguns anys per al Palais du Elysée quan François Mitterrand era el President de França. Canvia noms de personatges i aspecte i explica com una cuinera del Périgord (regió de la França profunda amb una cuina pròpia), l’Hortense Laborie (Catherine Frot, "Les germanes enfadades"), hi entra en aquella cuina amb el seu propi tarannà, tot desafiant el prepotent xef i els seus masclistes col.laboradors. Només l'educat i sensible pastisser l'ajudarà en la seva feina. Catherine Frot, gran actriu francesa que tant fa un drama com una comèdia, amb el seu aire a la Carmen Machi que la fa molt propera, dóna al seu personatge una gran dignitat i enteresa, tant a l’enfrontar-se al poder establert en aquella cuina com quan recorda tot treballant-hi a una gran cantina de les Illes Croizet, arxipèlag francès proper a l'Antàrtida, de clima polar. Amb un estil sobri, el director ens mostra la varietat de plats que l’Hortense cuina per al President de la República, aquí interpretat per un actor no professional (Jean D'Ormesson), que amb el seu aspecte de vell entranyable i senzill trenca amb l'aire solemne que tenen els caps d'Estat. Un però seria que en alguns moments hi ha escenes que no són més que un seguit de plats, com un vídeo educatiu per a estudiants de Cuina, i les escenes a l'actualitat, amb la protagonista a les fredes Illes Croizet, tot eludint les preguntes de reporters de la TV australiana, tenen una petita trampa: sembla que la protagonista amaga un secret comprometedor, quan no és pas així. Però mostra amb verisme i sense grandiloqüències la vida de la gent humil que hi treballa per als polítics que regeixen un país. Res a veure amb "L'ala Oest de la Casa Blanca", encara que sigui una excel.lent sèrie televisiva i el seu President fictici Bartlett sigui un polític amb una humanitat de debò.

LA CUINERA DEL PRESIDENT: * * *



http://www.youtube.com/watch?v=pyMW5RLFzSQ


TESIS SOBRE UN HOMICIDIO d'Hernán Godfrid







La reciente película francesa “En la casa” de François Ozon, premiada con la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián, nos mostró una historia parecida a la película que comentamos aquí: un profesor se interesa por un alumno peculiar hasta lo imprevisible. En la francesa, era un profesor de Literatura, frustrado escritor, quien se obsesionaba por un alumno que sabía describir la vida cotidiana de una familia cualquiera de clase media sin tener nada que envidiar a maestros como Balzac. En la argentina “Tesis sobre un homicidio”, basada en la novela de Diego Paszkowsky y dirigida por el aquí desconocido Hernán Godfrid, el profesor es un abogado retirado, Roberto Bermúdez (Ricardo Darín), que da clases en la Universidad de Buenos Aires. Uno de sus alumnos es Gonzalo (Alberto Ammann, “Celda 211”), hijo de una familia amiga de Bermúdez y que vuelve después de una larga residencia en España (de ahí su acento argentino casi inexistente, que si no fuera por las “eses” y “eshes” argentinas, pasaría por uno de Valladolid). Ante la misma Universidad, aparece una mujer brutalmente asesinada, y Bermúdez empieza a sospechar de Gonzalo obsesivamente, y como su “colega” francés, empezará una especie de descenso a los infiernos tratando de demostrar que su brillante y arrogante alumno es un psicópata peligroso. Ricardo Darín es el centro de toda la trama, y su gran talento como actor le basta para llevar toda la película a cuestas, por lo que los demás actores son simples accesorios, correctos pero sin grandes alardes, del omnipresente protagonista, que el relato logra que nos identifiquemos con sus obsesiones. Calu Rivero es la parte femenina de la película, como Laura Di Natale, la hermana de la chica asesinada. Sólo Alberto Ammann sabe dar buena réplica a Darín, quizá por que su personaje es el motivo de la obsesión del abogado, con un aire entre impasible y arrogante. Se mantiene el suspense hasta un inesperado e implacable final, sin necesidad alguna de recurrir a tópicos de Hollywood llenos de truculencia como “Seven”, pongamos por caso, dando importancia a los personajes para el progreso de la historia, aunque no quede al final todo lo redondo que se esperaría. François Ozon supo plasmar mejor la historia final en su película, quizá por que daba la misma importancia a los personajes secundarios, que enriquecían el intrigante argumento. Para acabar, una anécdota: casualmente, Ricardo Darín era miembro del Jurado del Festival de San Sebastián que dio la Concha de Oro a “En la casa”. Suponemos que le haría gracia ver que él mismo había protagonizado una película con un punto de partida similar. 

TESIS SOBRE UN HOMICIDIO: * * *

"TESIS SOBRE UN HOMICIDIO" d'Hernán Godfrid

La recent pel.lícula francesa "A la casa" de François Ozon, premiada amb la Petxina d'Or al Festival de Sant Sebastià, ens va mostrar una història semblant a la pel.lícula que comentem aquí: un professor s'interessa per un alumne peculiar fins d’allò més imprevisible. A la francesa, era un professor de Literatura, frustrat escriptor, qui s'obsessionava per un alumne que sabia descriure la vida quotidiana d'una família qualsevol classe mitjana sense tenir res a envejar a mestres com Balzac. A l'argentina "Tesis sobre un homicidio", basada en la novel.la de Diego Paszkowsky i dirigida per l'aquí desconegut Hernán Godfrid, el professor és un advocat retirat, Roberto Bermúdez (Ricardo Darín), que dóna classes a la Universitat de Buenos Aires. Un dels seus alumnes és Gonzalo (Alberto Ammann, "Celda 211"), fill d'una família amiga de Bermúdez i que torna després d'una llarga residència a Espanya (d'aquí el seu accent argentí gairebé inexistent, que si no fos per les "esses" i "eshes" argentines, passaria per un paio de Valladolid). Davant de la mateixa Universitat, hi apareix una dona brutalment assassinada, i Bermúdez comença a sospitar de Gonzalo obsessivament, i com el seu "col.lega" francès, hi començarà una mena de descens als inferns, mirant de demostrar que el seu brillant i arrogant alumne és un psicòpata perillós. Ricardo Darín és el centre de tota la trama, i el seu gran talent com actor en té prou per portar tota la pel.lícula a sobre, perquè els altres actors són simples accessoris, correctes però sense gaires ostentacions, de l'omnipresent protagonista, que el relat aconsegueix que ens identifiquem amb les seves obsessions. Calu Rivero és la part femenina de la pel.lícula, com la Laura Di Natale, la germana de la noia assassinada. Només Alberto Ammann sap fer una bona rèplica a Darín, potser perquè el seu personatge és el motiu de l'obsessió de l'advocat, amb un aire mig impassible mig arrogant. Es manté el suspens fins a un inesperat i implacable final, sense cap necessitat de recórrer a tòpics de Hollywood plens de truculència com a "Seven", posem per cas, donant importància als personatges per al progrés de la història, tot i que no quedi al final tot el rodó que s'esperaria. François Ozon va saber plasmar millor la història final a la seva pel.lícula, potser perquè donava la mateixa importància als personatges secundaris, que enriquien l'intrigant argument. Per acabar, una anècdota: casualment, Ricardo Darín era membre del Jurat del Festival de Sant Sebastià que va donar la Petxina d'Or a "A la casa". Suposem que li faria gràcia veure que ell mateix hi havia protagonitzat una pel.lícula amb un punt de partida semblant.

TESIS SOBRE UN HOMICIDIO: * * *