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dissabte, 20 d’abril de 2013

ELLAS de Malgorzata Szumowska ELLES de Malgorzata Szumowska







La prostitución es de los temas más delicados para tratar y es dificilísimo de evitar la moralina o la pura denuncia, si se observa desde el prisma moral. También se tiende a ver como se ve en una película porno, por ejemplo, donde la prostituta suele ser la que hace pasar un rato de sexo inolvidable al actor porno de turno. Esta co-producción entre Francia y Polonia aporta un aspecto novedoso al tema: una mujer, Anne (Juliette Binoche), contacta con dos chicas estudiantes que pagan sus estudios ejerciendo la prostitución, una francesa, Charlotte (Anaïs Demoustier), y la otra polaca residente en Francia, Alicja (Joanna Kulig). Anne las entrevista observando su “profesión” como lo haría una feminista, más preocupada por si ellas sufren humillaciones o desprecios por parte de los hombres, entiéndase los clientes. Ante su asombro, no es así, ellas lo asumen con naturalidad, sobre todo la chica polaca, que aunque haya sufrido algún cliente antipático, no se arrepiente e incluso le gusta lo que hace. Todo esto hace a Anne replantearse su propia vida, rutinaria, casada con un marido aburrido y con dos hijos adolescentes que van a la suya. Rodada sobre todo cámara en mano, trata de salirse de los tópicos sobre prostitución, feminismo, sexualidad y vida familiar, y lo consigue. La joven Joanna Kulig es de lo mejor de la película, comiéndose viva a la mucho más experimentada Juliette Binoche. Aunque el ritmo no es nada espectacular, es semi-documental, buscando el máximo verismo y como suele ser muchas veces el cine de Europa del Este, aunque esté rodada en Paris y con reparto francés.

ELLAS: * * *


La prostitució és dels temes més delicats per tractar-hi, i és dificilíssim d'evitar la moralina o la pura denúncia, si s'observa des del prisma moral. També es tendeix a veure com es veu dins una pel.lícula porno, per exemple, on la prostituta és sempre la que fa passar una estona de sexe inoblidable a l'actor porno de torn. Aquesta coproducció entre França i Polònia aporta un aspecte nou al tema: una dona, Anne (Juliette Binoche), contacta amb dues noies estudiants que es paguen els seus estudis exercint la prostitució, una francesa, Charlotte (Anaïs Demoustier), i l'altra polonesa resident a França, Alicja (Joanna Kulig). Anne les entrevista totes dues, tot observant la seva "professió" com ho faria una feminista, més preocupada per si elles pateixen humiliacions o menyspreus per part dels homes, cal entendre els clients. Davant la seva sorpresa, no és pas així, elles ho assumeixen amb naturalitat, sobretot la noia polonesa, que encara que hagi patit d’algun client antipàtic, no es penedeix gens, i fins i tot li agrada el que fa. Tot això fa a Anne replantejar-se la seva pròpia vida, rutinària, casada amb un marit avorrit i amb dos fills adolescents que van a la seva. Rodada sobretot càmera en mà, mira de sortir dels tòpics sobre prostitució, feminisme, sexualitat i vida familiar, i ho aconsegueix. La jove Joanna Kulig és del millor de la pel.lícula, menjant-se viva la molt més experimentada Juliette Binoche. Tot i que el ritme no és gens espectacular, és semi-documental, buscant el màxim verisme i com sol ser moltes vegades el cinema d'Europa de l'Est, tot i que sigui rodada a París i amb repartiment francès.

ELLES: * * *








EL REPORTERO de Michelangelo Antonioni EL REPORTER de Michelangelo Antonioni







Michelangelo Antonioni fue de los cineastas más personales y también de los más difíciles de comprender. Mucha de su obra trata de la incomunicación entre los seres humanos, y ha tenido la admiración de todo el mundo. Incluso superestrellas de Hollywood trabajaron en alguna película suya, como John Malkovich en una de sus últimas películas, o la que comento aquí, que contó nada menos que con Jack Nicholson cuando rodó también la película que le consagró definitivamente, “Alguien voló sobre el nido del cuco” de Milos Forman. Como es habitual, Antonioni narra de manera lenta la huida hacía adelante de un reportero de la TV británica, David Locke (Nicholson), que en un país africano dominado por una dictadura y con una guerrilla rebelde, después de quedarse su todoterreno atascado en la arena del desierto, llega a pie a un pequeño poblado, y en el hotel del lugar encuentra muerto a David Robertson (Charles Mulvehill), de un infarto. Decide intercambiar su identidad con la del difunto y volver así a Europa. Mientras la mujer de Locke llora su presunta muerte, el protagonista, ya con su nueva identidad, se pone en contacto con los representantes de los guerrilleros rebeldes a los que el difunto proporcionaba armas para derrocar al dictador. Hará un viaje que le llevará a España y a ciudades como Almería, Osuna e incluso Barcelona. Aquí se encontrará con una mujer (Maria Schneider, “El último tango en Paris”), que como él huye del hastío de su vida. Todo el argumento muestra las obsesiones del director, y en algunas frases pronunciadas por Nicholson se muestra cómo el ser humano no digiere bien la vida en general. Para los espectadores de aquí, resulta curiosa ver las ciudades antes mencionadas cómo eran en los últimos años del franquismo, sobre todo Barcelona. No obstante, el ritmo lento de Antonioni dificulta en muchos momentos seguir el argumento, aunque te intriga saber qué pasará con el protagonista y por ello esperas al final, duro, seco, pesimista, sin concesiones, una moda en aquella época del cine de autor. Pero no se entiende por qué de la huida hacía adelante de Locke, aunque el director quiera que nos lo imaginemos, mostrándonos pocas pinceladas de su pasado. Nicholson, centro absoluto de la trama, se adapta perfectamente a la narración pausadísima de Antonioni, nada que ver con sus películas americanas. En el reparto está Josep Maria Caffarel, como el conserje de un hotel andalúz, y un cameo del ex Presidente del Barça Joan Gaspart también como conserje, pero en Barcelona, algo que él conoce perfectamente, pues es empresario del sector. Cine para ver sin prejuicios y si no estás demasiado deprimid@.

EL REPORTERO: * * *

"EL REPORTER" de Michelangelo Antonioni

Michelangelo Antonioni va ser dels cineastes més personals i també dels més difícils de comprendre. Molta de la seva obra tracta de la incomunicació entre els éssers humans, i ha tingut l'admiració a tot arreu. Fins i tot superestrelles de Hollywood van treballar en alguna pel.lícula seva, com John Malkovich en un dels seus darrers treballs, o la que comento aquí, que va comptar ni més ni menys que amb Jack Nicholson, quan va rodar també la pel.lícula que el va consagrar definitivament, "Algú va volar a sobre el niu del cucut "de Milos Forman. Com és habitual, Antonioni narra de manera lenta la fugida cap endavant d'un reporter de la TV britànica, David Locke (Nicholson), que a un país africà dominat per una dictadura i amb uns escamots rebels, després de quedar el seu tot terreny encallat a la sorra del desert, arriba a peu a un petit poblat, i a l'hotel del lloc troba mort a David Robertson (Charles Mulvehill), d'un infart. Decideix intercanviar la seva identitat amb la del difunt i tornar així a Europa. Mentre la dona de Locke plora la seva presumpta mort, el protagonista, ja amb la seva nova identitat, es posa en contacte amb els representants dels guerrillers rebels als quals el difunt proporcionava armes per enderrocar el dictador. Farà un viatge que el portarà a Espanya i a ciutats com Almeria, Osuna i fins i tot Barcelona. Aquí es trobarà amb una dona (Maria Schneider, "L'últim tango a París"), que com ell, fuig del tedi dins la seva vida. Tot l'argument mostra les obsessions del director, i en algunes frases pronunciades per Nicholson es mostra com l'ésser humà no digereix bé la vida en general. Per als espectadors d'aquí, resulta curiós veure les ciutats abans esmentades com eren als darrers anys del franquisme, sobretot Barcelona. Tanmateix, el ritme lent d'Antonioni dificulta en molts moments seguir l'argument, tot i que et pot intrigar saber què passarà amb el protagonista, i per això hi espereu fins al final, dur, sec, pessimista, sense concessions, una moda en aquella època del cinema d'autor. Però no s'entén pas el perquè de la fugida cap endavant de Locke, encara que el director vulgui que ens ho imaginem, mostrant-nos poques pinzellades del seu passat. Nicholson, centre absolut de la trama, s'adapta perfectament a la narració pausadíssima d'Antonioni, res a veure amb les seves pel.lícules americanes. En el repartiment hi ha Josep Maria Caffarel, com el conserge d'un hotel andalús, i una petita aparició de l'expresident del Barça Joan Gaspart també com a conserge, però a Barcelona, cosa que ell coneix perfectament, ja que és empresari del sector. Cinema per veure sense prejudicis i si no estàs massa deprimit/ida.

EL REPORTER: * * *









dimarts, 9 d’abril de 2013

LOS AMANTES PASAJEROS de Pedro Almodóvar






La crítica española siempre ha sido severa con cada nueva película de Pedro Almodóvar, quitando al habitual Carlos Boyero, obsesionado con que el cineasta manchego está sobrevalorado e incluso lamentando que se haya convertido en un referente mundial e incluso una gran influencia para cineastas de toda clase, o actores que darían su vida por trabajar con él. Pues con esta película, la crítica ha sido nuevamente severa, incluyendo a los que siempre han admirado la obra de Almodóvar. Pero a mi me gustó esta película, aunque coincido que no es de las mejores de él. ¿De qué va? Pues que un avión de la ficticia compañía aérea Península sufre un problema en su tren de aterrizaje durante el vuelo Madrid-México que le obliga a un aterrizaje de emergencia en donde pueda. Mientras, tiene que agotar su combustible y la tripulación ha de entretener a los pasajeros cuanto pueda. Tanto unos como otros son una fauna variada y peculiar. ¿Por qué me gustó? Pues por que Almodóvar, con la experiencia que le han dado los años, sabe llevar un argumento tan chapucero con una soltura y una seguridad tal que hace que la película tenga una gran solidez, no es como sus dos primeras películas, que tenían muchas ideas interesantes, pero un ritmo y una puesta en escena más bien “amateur”, que te hace pensar que hasta yo las hubiera rodado mejor, y los actores parecían salidos de cualquier vídeo de amiguetes en una fiesta. Y su habitual abundancia de personajes, que esta vez se nota más que nunca que sobran varios, como sabe siempre encontrar por dónde seguir, no molesta apenas nada. La acción pasa casi exclusivamente dentro del avión, y por una ingeniosa maniobra narrativa se traslada a Madrid, al Viaducto de la calle de Bailén, por donde pasan dos personajes secundarios pero importantes en la trama. Vayamos por partes: el capitán del avión es Alex Acero (Antonio De La Torre), que está liado con Joserra (Javier Cámara). Hay que añadir al copiloto Benito Morón (Hugo Silva), y a los azafatos Ulloa (Raúl Arévalo) y Fajas (Carlos Areces). Este último es el más carismático, pues demuestra su gran talento cómico, y consigue borrar del mapa a Arévalo, actor que siempre me ha parecido mediocre, e incluso a Javier Cámara, siempre eficaz. Sobre todo en el divertido y delirante número musical que se montan para distraer a los pasajeros, donde cantan en playback “I’m so excited” de The Pointed Sisters. Almodóvar sabe saltar sin red, arriesgarse en un argumento sin pies ni cabeza y que tiene algunos gags logrados, y no tomarse demasiado en serio. Esto es lo que Pedro ha afrontado valientemente. Incluida la más bien flojita y tímida crítica social encarnada en el personaje del banquero corrupto (José Luis Torrijo), que te hace recordar que cualquier gag del programa “Polònia” de TV3 es mil veces más corrosivo y directo. Y lo mismo con el personaje de Cecilia Roth, cruce entre Norma Duval y una extraña “madame” de prostíbulo.

LOS AMANTES PASAJEROS: * * *

"LOS AMANTES PASAJEROS" de Pedro Almodóvar

La crítica espanyola sempre ha estat molt severa amb cada nova pel.lícula de Pedro Almodóvar, sobretot l'habitual Carlos Boyero, obsessionat amb què el cineasta manxec està sobrevalorat i fins i tot lamentant que s'hagi esdevingut un referent mundial, a més d’una gran influència per cineastes de tota mena, o actors que donarien la seva vida per treballar amb ell. Doncs amb aquesta pel.lícula, la crítica ha estat novament severa, fins i tot els que sempre han admirat l'obra d'Almodóvar. Però a mi em va agradar aquesta pel.lícula, tot i que coincideixo que no és de les millors d'ell. De què va? Doncs, que un avió de la fictícia companyia aèria Península pateix un problema en el seu tren d'aterratge durant el vol Madrid-Mèxic que l'obliga a un aterratge d'emergència on pugui. Mentrestant, ha d’esgotar el seu combustible i la tripulació ha d'entretenir als passatgers tant com pugui. Tant uns com altres són una fauna variada i peculiar. Perquè em va agradar? Doncs perquè Almodóvar, amb l'experiència que li han donat els anys, sap portar un argument tan barroer amb una desimvoltura i una seguretat tal que fa que la pel.lícula tingui una gran solidesa, no és gens ni mica com les seves dues primeres pel.lícules, que tenien moltes idees interessants, però un ritme i una posada en escena més aviat "amateur", que et fa pensar que fins jo les hauria fet millor, i els actors semblaven sortits de qualsevol vídeo d'amiguets dins una festa. I la seva habitual abundància de personatges, que aquesta vegada es nota més que mai que sobren uns quants, com sap sempre trobar per on continuar-hi, gairebé no fa nosa. L'acció passa gairebé exclusivament dins de l'avió, i per una enginyosa maniobra narrativa es trasllada a Madrid, al viaducte del carrer de Bailén, per on hi passen dos personatges secundaris, però importants dins la trama. Anem al gra: el capità de l'avió és l’Alex Acero (Antonio De La Torre), que està embolicat amb Joserra (Javier Cámara). Cal afegir al copilot Bruno Morón (Hugo Silva), i als hostes Ulloa (Raúl Arévalo) i Fajas (Carlos Areces). Aquest últim és el més carismàtic, ja que demostra el seu gran talent còmic, i aconsegueix esborrar del mapa a Arévalo, actor que sempre m'ha semblat mediocre, i fins i tot a Javier Cámara, sempre eficaç. Sobretot en el divertit i delirant nombre musical que fan per distreure els passatgers, on hi canten en playback "I'm so excited" de The Pointed Sisters. Almodóvar sap saltar sense xarxa, arriscar-se en un argument sense cap ni peus i que té d’alguns gags assolits, i no prendre’s massa seriosament. Això és el que Pedro ha afrontat amb coratge. Fins i tot amb la més aviat fluixeta i tímida crítica social encarnada en el personatge del banquer corrupte (José Luis Torrijo), que et fa recordar que qualsevol gag del "Polònia" de TV3 és mil vegades més corrosiu i directe. I el mateix amb el personatge de Cecilia Roth, barreja de Norma Duval i una estranya "madame" de prostíbul.

LOS AMANTES PASAJEROS: * * *
















FREUD PASIÓN SECRETA de John Huston/FREUD PASSIÓ SECRETA de John Huston






En la década de 1960, el cine americano, entonces influido por el cine europeo, rodó muchas de sus películas en el Viejo Continente, fueran de género bélico, dramático, histórico e incluso comedias. Y uno de los personajes históricos europeos más influyentes del último siglo no podía faltar: el médico austríaco Sigmund Freud, creador del Psicoanálisis, que ha ayudado a comprender mejor la compleja psique humana más allá de la visión más bien cuadriculada que aportan las religiones. El gran cineasta John Huston, que abordó toda clase de géneros en su carrera, decidió examinar las claves del Psicoanálisis centrándose en dos casos que Freud abordó, uno de ellos en que él tuvo muchas sesiones con una chica traumatizada por culpa de su padre, Cecily Koertner (Susannah York). Al gran Freud lo encarna aquí un gran actor, Montgomery Clift, en uno de sus últimos trabajos, antes de su repentina muerte en 1966 con sólo 46 años de edad, y sabe darle una gran fuerza dramática, pese a no poder apenas mover la cara, ya que años atrás, Clift tuvo un grave accidente de coche que le destrozó la cara y la mandíbula, y se la recompusieron con unos hierros que le molestaban enormemente. Ello, por cierto, le obligaba a tomar drogas para mitigar el dolor, pero también le provocaba que se le olvidaran los diálogos a la hora de rodar y que Huston llegara a tener frecuentes broncas con el actor. Quitando todo esto, la acción se apoya en los diálogos, sin ninguna estridencia, la ambientación de la época, la gran fotografía en blanco y negro, la extraordinaria banda sonora de Jerry Goldsmith que aporta el tono angustioso de las historias que cuentan los pacientes, y sin olvidar a actores secundarios como el olvidado Larry Parks, en su última película, que encarna un excelente doctor Joseph Breuer o Susannah York como Cecily Koertner. El único pero es que se simplifique en exceso toda la vida y obra de Freud en los dos casos de la película, incluyendo el breve pero impactante del hijo con complejo de Edipo, que parece que el público americano sólo sabe verlo así (el europeo es más abierto a otras mentalidades o a visiones más complejas de cualquier cosa), y que quede como algo tímida en tratar temas tan duros, pero es una excelente película.

FREUD, PASIÓN SECRETA: * * * *

"FREUD, PASSIÓ SECRETA" de John Huston

A la dècada de 1960, el cinema americà, llavors influït pel cinema europeu, va rodar moltes de les seves pel.lícules al Vell Continent, fossin de gènere bèl.lic, dramàtic, històric i fins i tot comèdies. I un dels personatges històrics europeus més influents de l'últim segle no podia faltar: el metge austríac Sigmund Freud, creador de la Psicoanàlisi, que ha ajudat a comprendre millor la complexa psique humana més enllà de la visió més aviat quadriculada que aporten les religions. El gran cineasta John Huston, que va tractar tota mena de gèneres en la seva carrera, va decidir examinar les claus de la Psicoanàlisi, tot centrant-se en dos casos que Freud va tractar, un d'ells en què ell va tenir moltes sessions amb una noia traumatitzada per culpa del seu pare, Cecily Koertner (Susannah York). Al gran Freud l'encarna aquí un gran actor, Montgomery Clift, en un dels seus últims treballs, abans de la seva sobtada mort el 1966 amb només 46 anys d'edat, i sap donar-li una gran força dramàtica, tot i no poder a penes moure la cara , ja que anys enrere, Clift va patir un greu accident de trànsit que li va destrossar la cara i la mandíbula, i la hi van recompondre amb uns ferros que li feien nosa de valent. Això, per cert, l'obligava a prendre drogues per minvar el dolor, però també li provocava que se li oblidessin els diàlegs a l'hora de rodar, i que Huston arribés a esbroncar sovint l'actor. Llevat de tot això, l'acció es recolza en els diàlegs, sense cap estridència, l'ambientació de l'època, la gran fotografia en blanc i negre, l'extraordinària banda sonora de Jerry Goldsmith que aporta el to angoixant de les històries que expliquen els pacients, i sense oblidar d’actors secundaris com l'oblidat Larry Parks, en la seva darrera pel.lícula, que encarna un excel.lent doctor Joseph Breuer o Susannah York com Cecily Koertner. L'únic però que es pot fer a la pel.lícula és que es simplifiqui en excés tota la vida i obra de Freud dins els dos casos esmentats, fins i tot amb el breu però impactant cas del fill amb complex d'Èdip, que sembla que el públic americà només sap veure-ho així (l'europeu és més obert a d’altres mentalitats o visions més complexes de qualsevol cosa), i que quedi com una cosa tímida en tractar temes tan durs, però és una excel.lent pel.lícula.

FREUD, PASSIÓ SECRETA: * * * *













dilluns, 1 d’abril de 2013

LA MISTERIOSA DAMA DE NEGRO de Richard Quine








Viendo películas recientes como “Notting Hill”, la enésima comedia romántica americana a la mayor gloria de actores de moda, vemos cómo es el, digamos, tipismo londinense made in Hollywood. Me refiero a cuando la historia es claramente americana, aunque el decorado sea un país y una ciudad a miles de kilómetros de Nueva York o de los paisajes que John Ford inmortalizó en sus grandes películas. Y más cuando los personajes locales quedan como secundarios, a veces como secundarios pintorescos o exóticos. Hace medio siglo, el notable cineasta Richard Quine, autor de varias interesantes comedias, cruzó el charco para rodar en Londres una historia con toque de cine policiaco, no al estilo del cine negro con detective privado con pose y maneras de Humphrey Bogart, sino de los relatos de Agatha Christie, la más importante autora británica del género, con varios personajes conocidos mundialmente y tan inmortales como Sherlock Holmes. Un diplomático americano, William Gridley (Jack Lemmon), llega a Londres para trabajar en la Embajada. Allí conoce a una misteriosa americana viuda y enlutada, Carlyle “Carly” Hardwicke (Kim Novak, “Vértigo”), la cual le alquila una habitación en su casa del barrio de Mayfair, en la zona de Westminster. Y se une al grupo el Agregado de la Embajada Americana en Londres, (Fred Astaire, en una época en la que intentaba salir del encasillamiento de sus filmes musicales). La mujer es sospechosa de ciertos asuntos turbios, como los de la misteriosa muerte de su marido (se rumorea que su mujer lo envenenó), y Gridley se verá mezclado en ello sin quererlo. Ritmo adecuado, gracias a la colaboración en el guión de Blake Edwards (“La pantera rosa”), un maestro del género, y muchas escenas tienen su toque. Suspense que se mantiene hasta el final, quizá como Hitchcock, pero más ligero, y un acertado estilo en las secuencias humorísticas. Además, buena fotografía en blanco y negro. El pero del filme es la visión tópica y superficial de los londinenses, que todos parecen salidos de una de aquellas adaptaciones hollywoodienses de una novela de Agatha Christie, en especial los vecinos del barrio de la “dama de negro”.

LA MISTERIOSA DAMA DE NEGRO: * * *

“LA MISTERIOSA DAMA DE NEGRE” de Richard Quine

Veient pel.lícules recents com “Notting Hill”, l’enèsima comèdia romàntica americana a la major glòria d’actors de moda, veiem com és el, diguem-ne, tipisme londinenc made in Hollywood. Em refereixo a quan la història és clarament americana, encara que el decorat sigui un país i una ciutat a milers de quilòmetres de Nova York o dels paisatges que en John Ford va immortalitzar en les seves grans pel.lícules. I més encara quan els personatges locals queden com a secundaris, de vegades com a secundaris pintorescos o exòtics. Fa mig segle, el notable cineasta Richard Quine, autor de diverses interessants comèdies, va creuar l’Oceà Atlàntic per rodar a Londres una història amb toc de cinema policíac, no pas a l’estil del cinema negre amb detectiu privat amb posat i maneres de Humphrey Bogart, sinó de els relats d’Agatha Christie, la més important autora britànica del gènere, amb diversos personatges coneguts mundialment i tan immortals com Sherlock Holmes. Un diplomàtic americà, en William Gridley (Jack Lemmon), hi arriba cap a Londres per treballar a l’Ambaixada. Allà coneix una misteriosa americana vídua i endolada, la Carlyle “Carly” Hardwicke (Kim Novak, “Vertigen”), la qual li lloga una habitació a casa seva del barri de Mayfair, a la zona de Westminster. I s’uneix al grup el Agregat de l’Ambaixada Americana a Londres, (Fred Astaire, en una època en la qual intentava sortir de l’encotillament dels seus films musicals). La dona és sospitosa d’uns certs assumptes tèrbols, com els de la misteriosa mort del seu marit (es rumoreja que la seva dona el va enverinar), i en Gridley s’hi veurà barrejat en això sense voler-ho. Ritme adequat, gràcies a la col.laboració en el guió de Blake Edwards (“La pantera rosa”), un mestre del gènere, i moltes escenes tenen el seu toc. Suspens que es manté fins al final, potser com en Hitchcock, però més lleuger, i un encertat estil en les seqüències humorístiques. A més, una bona fotografia en blanc i negre. El defecte del film és la visió tòpica i superficial dels londinencs, que tots semblen sortits d’una d’aquelles adaptacions hollywoodenques d’una novel.la d’Agatha Christie, en especial els veïns del barri de la “dama de negre”.

LA MISTERIOSA DAMA DE NEGRE: * * *

EL ARTISTA Y LA MODELO de Fernando Trueba L'ARTISTA I LA MODEL de Fernando Trueba








El cine español necesitaba nuevas ideas, que lo sacaran del encasillamiento que le ha llevado en los últimos años a perder espectadores de manera alarmante, algo que no le ha ocurrido a su vecino francés, el cual conserva una envidiable vitalidad, que aunque en las últimas décadas ya no sea el referente mundial que fue hace medio siglo, hace las películas que quiere y entre su público consigue éxitos grandiosos. Fernando Trueba, con una filmografía muy irregular, con películas buenas y otras mediocres, que inauguró en su día el subgénero “comedia madrileña” con “Ópera prima” (1980) y ganó el Óscar con “Belle Époque” (1993), ha ideado con el guionista francés Jean-Claude Carrière, colaborador de Buñuel en su etapa francesa y en varios filmes de Milos Forman, la historia de un escultor francés en la etapa final de su vida y su carrera, Marc Cros (Jean Rochefort), en un pueblo de la Catalunya Nord, o para otros el Rosellón francés, al Sur del país, cerca de la frontera española. Estamos en 1943, aun la época de la Francia de Vichy y ocupada por los alemanes. Un día, se encuentran en el pueblo durmiendo a una chica catalana exiliada, Mercè (Aina Folch, “El embrujo de Shangai”). Y le ofrecen posar como modelo para las esculturas de Cros, por lo que tendrá que posar desnuda la mayor parte del tiempo. Cros está desengañado de la vida, ya en la vejez, y sintiendo próxima la muerte, la presencia de Mercè le da ganas e inspiración para hacer nuevas obras. Con una excelente fotografía en blanco y negro y una muy buena elección de los maravillosos paisajes de la zona, además de un ritmo contemplativo y con la complicidad de un gran Jean Rochefort como el escultor, cuya composición del mismo está entre lo arisco y lo entrañable. La mujer del escultor la encarna Claudia Cardinale, ya lejos de sus años de esplendor, pero que sigue conservando su carisma y talento como actriz. Y Chus Lampreave como la criada de ambos, siempre eficaz como secundaria. Aida Folch lo tiene más difícil en un papel que le obliga a desnudarse mucho tiempo, pero sabe darle la réplica a Rochefort, y Fernando Trueba tiene el tacto de darle a todo una sensualidad en su justo punto, jamás es vulgar ni chabacana, sólo quería mostrar lo que siente cualquier pintor cuando tiene una modelo para sus obras, y que como la mayoría de artistas, ellas tienen que posar desnudas. Hay varios episodios de muestra de la zona, la ocupación alemana se adivina sin verse nunca de cerca, también la presencia de la Resistencia encarnada en un fugitivo que se esconde en la casa-taller del escultor… Muchos pequeños detalles en una película que con sensibilidad muestra la creación artística en un entorno hostil. Un Trueba que hacía mucho tiempo que no se veía, dada su irregular filmografía, pese a su facilidad para tocar diversos géneros y estilos. Últimamente parecía superado por su hermano David  y por su hijo Jonás Groucho, que han hecho películas con más éxito mediático.

EL ARTISTA Y LA MODELO: * * * *

“L’ARTISTA I LA MODEL” de Fernando Trueba

Al cinema espanyol li calia de noves idees, que el traguessin de l’encotillament que l’ha portat en els últims anys a perdre espectadors de manera alarmant, una cosa que no li ha passat al seu veí francès, el qual conserva una envejable vitalitat, que tot i que en les darreres dècades ja no sigui el referent mundial que va ser fa mig segle, fa les pel.lícules que vol i entre el seu públic aconsegueix d’èxits grandiosos. En Fernando Trueba, amb una filmografia molt irregular, amb pel.lícules bones i d’altres mediocres, que va inaugurar al seu dia el subgènere “comèdia madrilenya” amb “Òpera prima” (1980) i va guanyar l’Òscar amb “Belle Époque” (1993), ha ideat amb el guionista francès Jean-Claude Carrière, col.laborador de Buñuel en la seva etapa francesa i en diversos films de Milos Forman, la història d’un escultor francès en l’etapa final de la seva vida i la seva carrera, en Marc Cros (Jean Rochefort), dins un poble de la Catalunya Nord, prop de la frontera. Estem al 1943, encara a l’època de la França de Vichy i ocupada pels alemanys. Un dia, es troben al poble dormint a una noia catalana exiliada, la Mercè (Aina Folch, “El embrujo de Shangai”). I li ofereixen posar com a model per a les escultures d’en Cros, per la qual cosa hi haurà de posar nua la major part del temps. En Cros està desenganyat de la vida, ja en la vellesa, i tot sentint propera la mort, la presència de la Mercè li fa ganes i inspiració per fer de noves obres. Amb una excel.lent fotografia en blanc i negre i una molt bona elecció dels meravellosos paisatges de la zona, a més d’un ritme contemplatiu i amb la complicitat d’un gran Jean Rochefort com l’escultor, la composició d’aquest està entre d’allò més esquerp i l’entranyable. La dona de l’escultor la fa la Claudia Cardinale, ja lluny dels seus anys d’esplendor, però que segueix conservant el seu carisma i talent com a actriu. I la Chus Lampreave com la minyona de tots dos, sempre eficaç com a secundària. Aida Folch ho té més difícil en un paper que l’obliga a despullar-se molt de temps, però sap donar-li la rèplica a Rochefort, i en Fernando Trueba té el tacte de donar-li a tot una sensualitat dins el seu just punt, mai no és vulgar ni grollera, només volia mostrar allò que sent qualsevol pintor quan té una model per a les seves obres, i que com la majoria d’artistes, elles han de posar nues. Hi ha diversos episodis de mostra de la zona, l’ocupació alemanya s’endevina sense veure’s mai de prop, també la presència de la Resistència encarnada en un fugitiu que s’hi amaga a la casa-taller de l’escultor… Molts petits detalls en una pel.lícula que amb sensibilitat mostra la creació artística dins un entorn hostil. Un Trueba que feia molt de temps que no es veia, donada la seva irregular filmografia, malgrat la seva facilitat per tocar diversos gèneres i estils. Darrerament semblava superat pel seu germà David i pel seu fill Jonás Groucho, que han fet pel.lícules amb més èxit mediàtic.

L’ARTISTA I LA MODEL: * * * *

NOS HABÍAMOS QUERIDO TANTO (UNA MUJER Y TRES HOMBRES) de Ettore Scola/ENS HI HAVÍEM ESTIMAT TANT (UNA DONA I TRES HOMES) d’Ettore Scola







Conocido en nuestro país por la excelente “La familia”, el cineasta italiano Ettore Scola fue un notable cronista de la sociedad italiana, y la película citada fue la más conocida de su filmografía, nominada al Óscar a la Mejor Película Extranjera, y la última que nos llegó de él fue el falso documental “Gentes de Roma”, donde intentaba recrear un día en la vida de la capital italiana con actores no profesionales y otros que sí lo eran. “Nos habíamos amado tanto” recorre tres décadas de Italia, empezando en la II Guerra Mundial, con los protagonistas que estaban entre los partisanos (la guerrilla italiana antifascista) y acaba en 1974, con todos ellos en vidas completamente diferentes. Al acabar la guerra, cada uno tiene suerte dispar en el amor, y como suele pasar mucho en el cine, dos se encaprichan de la misma mujer, Luciana Zanon (Stefania Sandrelli). Uno, Gianni Perego (Vittorio Gasman),  se convierte en un importante abogado y se casa con la hija de un importante pez gordo; otro, Nicola Palumbo (Stefano Satta Flores), se convierte en crítico de cine y otro, Antonio (Nino Manfredi, “El verdugo” de Berlanga), es enfermero en un hospital. El tono de la película es irregular, ya que unos personajes son tratados de manera realista, y otros caen en el sainete, con interpretaciones grotescas y gritonas, pero Scola sabe darle a todo un aire vitalista y amargo de indudable atractivo, entre la crítica social y lo cotidiano. Destaquemos las apariciones especiales de Federico Fellini, Marcello Mastroianni y Anita Eckberg haciendo de sí mismos y recreando su famosísima escena en la Fontana Di Trevi romana para “La dolce vita”, y otras de Vittorio De Sica, al cual Scola dedica la película (falleció poco antes de su estreno), y al que se hace un homenaje cuando se proyecta su película “Ladrón de bicicletas” en un cinefórum y Nicola Palumbo se enfrenta con un contertulio ultraconservador que la calificaba de “difamatoria” contra Italia, no pudiendo digerir su denuncia social. Vittorio Gassman demuestra su talento en el personaje del abogado arribista, lúcido y que luego da lástima, aunque conservando cierta dignidad. Gassman sabe hacerlo creíble. Nino Manfredi y Stefano Satta Flores, en los personajes del enfermero y el crítico de cine son más irregulares, sobre todo el segundo, que en algunos momentos exagera demasiado su interpretación, abusando del grito, los gestos histéricos (aunque algo muy italiano el gesticular) y su defensa también exagerada de lo que él entiende como “mensaje” del cine de De Sica. Las actrices quedan muy en segundo plano, aunque sus personajes sean importantes para el devenir futuro de cada protagonista, sea la de que uno está enamorado pero acaba con otro, la que uno encuentra y se casa con ella pero por despecho y la que Palumbo abandona (a ella y a su hijo) por defender sus ideales políticos. Película muy de su época, políticamente hablando, una época donde política y vida cotidiana era inseparable en la forma de ser italiana, pero que a los espectadores de ahora nos muestra cómo nuestros padres o abuelos tenían otras inquietudes, otras esperanzas en el futuro, cuando no teníamos la vida tan resuelta.

NOS HABÍAMOS AMADO TANTO (UNA MUJER Y TRES HOMBRES): * * * *

Conegut al nostre país per l’excel.lent “La família”, el cineasta italià Ettore Scola va ser un notable cronista de la societat italiana, i la pel.lícula esmentada va ser la més coneguda de la seva filmografia, nominada a l’Òscar a la Millor Pel.lícula Estrangera, i l’última que ens va arribar d’ell va ser el fals documental “Gents de Roma”, on mirava de recrear un dia a la vida de la capital italiana amb actors no professionals i d’altres que sí ho eren. “Ens havíem estimat tant” recorre tres dècades d’Itàlia, començant a la II Guerra Mundial, amb els protagonistes que hi eren dins els partisans (la guerrilla italiana antifeixista) i acaba el 1974, amb tots ells en vides completament diferents. En acabar la guerra, cadascú té una sort dispar en l’amor, i com sol passar de valent al cinema, dos s’enamoren de la mateixa dona, la Luciana Zanon (Stefania Sandrelli). Un d’ells, en Gianni Perego (Vittorio Gasman), s’esdevé un important advocat,  i es casa amb la filla d’un important peix gros; un altre, en Nicola Palumbo (Stefano Satta Flores), s’esdevé un crític de cinema i un altre, l’Antonio (Nino Manfredi, “El verdugo” de Berlanga), és infermer a un hospital. El to de la pel.lícula és irregular, ja que uns personatges són tractats de manera realista, i d’altres cauen en el sainet, amb interpretacions grotesques i cridaneres, però Scola sap donar-li a tot un aire vitalista i amarg d’indubtable atractiu, entre la crítica social i la quotidianitat. Destacar les aparicions especials de Federico Fellini, Marcello Mastroianni i Anita Eckberg fent de si mateixos i recreant la seva famosíssima escena a la Fontana Di Trevi romana per a “La dolce vita”, i d’altres de Vittorio De Sica, al qual Scola dedica la pel.lícula (va morir poc abans de la seva estrena), i al qual es fa un homenatge quan es projecta la seva pel.lícula “Lladre de bicicletes” a un cinefòrum i en Nicola Palumbo s’enfronta amb un contertulià ultraconservador que la qualificava de “difamatòria” contra Itàlia, en no podent digerir gens la seva denúncia social. Vittorio Gassman demostra el seu talent en el personatge de l’advocat arribista, lúcid i que després fa llàstima, tot i que conservant una certa dignitat. Gassman sap fer-ho creïble. Nino Manfredi i Stefano Satta Flores, dins els personatges de l’infermer i el crític de cinema són més irregulars, sobretot el segon, que en alguns moments exagera massa la seva interpretació, abusant del xiscle, els gestos histèrics (encara que això és ben italià, gesticular) i la seva defensa també exagerada d’allò que ell hi entén com a “missatge” del cinema de De Sica. Les actrius queden molt en segon pla, tot i que els seus personatges siguin importants per l’esdevenir futur de cada protagonista, sigui la que un s’enamora d’ella però ella acaba amb un altre, la que un se’n troba i es casa amb ella però per despit i la que en Palumbo abandona (a ella i al seu fill) per defensar els seus ideals polítics. Pel.lícula molt de la seva època, políticament parlant, una època on política i vida quotidiana era inseparable en el tarannà italià, però que als espectadors d’ara ens mostra com els nostres pares o avis tenien d’altres inquietuds, d’altres esperances en el futur, quan no teníem la vida tan resolta.

ENS HI HAVÍEM ESTIMAT TANT (UNA DONA I TRES HOMES): * * * *

7 DÍAS EN LA HABANA de varios directores






El éxito de la película “de episodios” “Paris, je t’aime”, con breves episodios de cinco minutos con un director diferente para cada segmento, ha inventado una especie de subgénero, que ha continuado en “New York, I love you” y ahora con “Siete días en La Habana”, también ambas con episodios de cineastas diferentes, cada uno de ellos ambientado durante un día de la semana. Todas estas películas tienen capítulos notables y otros no tanto. La mayoría de cineastas elegidos para retratar La Habana son latinoamericanos, y las excepciones son el español Julio Medem, el francés Laurent Cantet o el palestino Elia Suleiman. La diferencia con las otras dos películas colectivas es que aquí algunos personajes salen en más de un capítulo. Los capítulos menos logrados son los de Suleiman, que se interpreta a sí mismo recorriendo las calles de La Habana y viendo la gente de la calle, y ese recorrido, qué ironía, dura lo que dura un discurso de Fidel Castro por televisión, que puede hablar siete horas sin inmutarse. Y el de la chica lesbiana que sufre un largo y repetitivo exorcismo por parte de sus padres. Los mejores, el que protagoniza el cineasta serbio Emir Kusturica, interpretándose a sí mismo, y acudiendo al Festival de La Habana; el de Julio Medem con Daniel Brühl como un empresario español que quiere contratar a una sensual cubana que canta estupendamente; y el final del francés Laurent Cantet (“La clase”), con la kafkiana pretensión de una anciana de que le construyan un pedestal para una estatua de la Virgen María en su casa, y la ayuda de los vecinos para ello. Otros actores conocidos que salen en la película son Jorge Perugorría y Mirta Ibarra, en el capítulo dedicado al Sábado. Curioso documento sociológico de la vida cubana, aunque al final te deje una sensación de poco logrado. De películas “de episodios” recientes, me quedo con “Paris, je t’aime”, aunque también tenía capítulos prescindibles.

SIETE DÍAS EN LA HABANA: * * *

“SIETE DÍAS EN LA HABANA” de diversos directors

L’èxit de la pel.lícula “d’episodis” “Paris, je t’aime”, amb breus episodis de cinc minuts amb un director diferent per a cada segment, ha inventat una mena de subgènere, que ha continuat en “New York, I love you” i ara amb “Set dies a l’Havana”, també totes dues amb episodis de cineastes diferents, cadascú d’ells ambientat durant un dia de la setmana. Totes aquestes pel.lícules tenen capítols notables i d’altres no gaire. La majoria de cineastes triats per retratar l’Havana són llatinoamericans, i les excepcions són el basc Julio Medem, el francès Laurent Cantet i el palestí Elia Suleiman. La diferència amb les altres dues pel.lícules col.lectives és que aquí alguns personatges hi surten en més d’un capítol. Els capítols menys reeixits són els de Suleiman, que s’interpreta a si mateix recorrent els carrers de l’Havana i veient la gent del carrer, i aquest recorregut, quina ironia, dura el mateix que dura un discurs de Fidel Castro per televisió, que pot parlar set hores sense immutar-se. I el de la noia lesbiana que pateix un llarg i repetitiu exorcisme per part dels seus pares. Els millors, el que té al cineasta serbi Emir Kusturica, interpretant-se a si mateix, i acudint al Festival de Cinema de l’Havana; el de Julio Medem amb Daniel Brühl com un empresari espanyol que vol contractar una sensual noia cubana que canta estupendament; i el final del francès Laurent Cantet (“La classe”), amb la kafkiana pretensió d’una dona gran que li facin un pedestal per a una estàtua de la Mare de Déu a casa seva, i l’ajuda dels veïns per això. Altres actors coneguts que surten a la pel.lícula són Jorge Perugorría i Mirta Ibarra, dins el capítol dedicat al Dissabte. Curiós document sociològic de la vida cubana, encara que al final et deixi una sensació de poc assolit. De pel.lícules “d’episodis” recents, em quedo amb “Paris, je t’aime”, tot i que també tenia de capítols prescindibles.

SIETE DÍAS EN LA HABANA: * * *